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L’Ecolier
Ce poème de Raymond Queneau en signe de retour. J’ai du subir une intervention chirurgicale et rentre de la Clinique. Je vais revenir très vite avec des chroniques que je vais écrire pendant ma convalescence.
J’écrirai le jeudi j'écrirai le dimanche
quand je n'irai pas à l'école
j'écrirai des nouvelles j'écrirai des romans
et même des paraboles
je parlerai de mon village je parlerai de mes parents
de mes aïeux de mes aïeules
je décrirai les prés je décrirai les champs
les broutilles et les bestioles
puis je voyagerai j'irai jusqu'en Iran
au Tibet ou bien au Népal
et ce qui est beaucoup plus intéressant
du côté de Sirius ou d'Algol
où tout me paraîtra tellement étonnant
que revenu dans mon école
je mettrai l'orthographe mélancoliquement
Raymond Queneau
Très belle année 2018
À mes lectrices et lecteurs,
j’aimerais d’abord dire merci. L’année 2017 se termine avec de beaux souvenirs, comme Fontfroide et les deux concerts parisiens de Jordi Savall et plein de beaux moments partagés avec des amis. Une nouvelle année s’annonce qui je l´espere vous sera douce et belle.
Je veux espérer que nous trouverons en chacun la source d’harmonie qui saura nous conduire vers la paix et le bonheur pour une humanité en souffrance et en quête.
Je vous souhaite, ainsi qu’à toutes celles et ceux qui vous sont cher(e)s, une très belle année 2018.
Un heureux et doux Noël
La courbe de tes yeux... Paul Eluard
La courbe de tes yeux fait le tour de mon coeur,
Un rond de danse et de douceur,
Auréole du temps, berceau nocturne et sûr,
Et si je ne sais plus tout ce que j'ai vécu,
C'est que tes yeux ne m'ont pas toujours vu.
Feuilles de jour et mousse de rosée,
Roseau du vent, sourires parfumés,
Ailes couvrant le monde de lumière,
Bateaux chargés du ciel et de la mer,
Chasseurs des bruits et sources des couleurs,
Parfums éclos d'une couvée d'aurores
Qui gît toujours sur la paille des astres,
Comme le jour dépend de l'innocence
Le monde entier dépend de tes yeux purs
Et tout mon sang coule dans leurs regards.
Orpheus XXI, un songe fraternel
Certains voyages, laissent un souvenir unique et onirique, celui auquel nous a invité Jordi Savall, en ce vendredi 24 novembre, a été le plus beau des songes, entre gravité, virtuosité et humanisme.
C’est au Palais de la Porte Dorée qui accueille le Musée de l’immigration que se déroulait, le tout premier concert en grand effectif de l’ensemble Orpheus XXI, accompagné par des musiciens d’Hespérion XXI et dirigé par le maestro catalan. L’évidence du lieu, pour accueillir cette programmation tient bien plus que du simple symbole, sous la magnifique fresque de Pierre – Henri Ducos de la Haille, peinte en 1931. Son exotisme chamarré voulait décrire les bienfaits de la colonisation. On se prend à penser à toute la souffrance et aux guerres engendrées par ce fléau « civilisateur » et à la nécessité pour les générations actuelles et futures d’en assumer la charge. L’hospitalité du Musée de l’Immigration marque mieux que tout cette réconciliation entre les peuples et ce respect si nécessaire de la différence dont chacun peut s’enrichir. Ainsi la démarche du projet Orpheus XXI a trouvé son écrin.
Cet ensemble dont la création officielle remonte à mars dernier, a été voulu par Jordi Savall suite à ses visites dans des camps de réfugiés à Calais et en Grèce. Ce projet est destiné à permettre aux musiciens réfugiés ou immigrés de faire connaître et transmettre leur patrimoine musical. Ils sont actuellement 21 au total. Grâce à de très nombreux partenaires dont la Saline Royale d’Arc-et-Senans, devenu leur lieu de résidence, ils ont enchaîné les séances de travail, les premiers concerts en petit effectif, cet été à Arles et à l’Abbaye de Fontfroide, et les actions de transmission dans les écoles. Ce soir, 6 d’entre eux, Rusan Filiztek (Kurdistan), Nezet Kutas (Kurdistan/Turquie), Azmari Nirjhar (Bangladesh), Rebal Alkhodari (Syrie), Anastasia Louniova (Biolorussie), Imad Eddine Amrah (Maroc), se sont présentés au public parisien accompagnés par trois de leurs maîtres issus d’Hesperion XXI, Waed Bouhassoun (Syrie), Moslem Rahal (Syrie), Hakan Güngör (Turquie). Si dans les précédents concerts, Jordi Savall ne se joignait qu’au bis, ici il a accompagné et dirigé un programme dont l’éventail du répertoire proposé, a permis a chacun de se découvrir et d’ouvrir les horizons de la richesse infinie de la pluralité des civilisations. Le programme de ce soir aurait pu paraître à certains d’autant plus improbables, que tous ces musiciens professionnels, sont issus de traditions et de techniques parfois très éloignées. Et pourtant, tout au long de la soirée, il a semblé couler de source. Les enchaînements entre chaque pièce étaient d’une extrême fluidité.
Dans le programme proposé ce soir, on retrouvait aussi bien des pièces traditionnelles chez Jordi Savall comme la Rosa enflorece ou la Quarte Estampie royale mais également Üsküdara. Cette mélodie qui a traversé les siècles, les continents, les civilisations, a, tour à tour, été un chant de fraternité, d’amour, de mélancolie ou de prière, que le maestro reprend régulièrement dans ses fresques musicales, tant elle exprime si bien à elle seule l’universalité des émotions. Mais, nous avons pu entendre également des pièces issues des répertoires des musiciens d’Orpheus XXI (des chants de récolte du Kurdistan, des chants et mélodie d’Arabie, de Syrie et de Biolorussie).
Malgré leurs univers musicaux apparemment éloignés, la capacité d’écoute et de dialogue des interprètes réunis pour l’occasion, a donné des ailes à ces derniers. Nous révélant une virtuosité commune et si profondément intime. Le fruit de ces rencontres de l’âme et du coeur est d’une saveur incomparable. Chaque musicien et chanteur d’Orpheus XXI et d'Hespérion XXI, a durant la soirée eu l’occasion de nous émerveiller tant par des instants en soliste d’une grâce infinie, qu’en ensemble.
Le kanun d’Hakan Güngör qui introduit le premier chant, nous emporte dans un monde rêvé et raffiné, où telle la rosée du matin, les notes de musique nous éveillent en un jardin de sérénité et d’harmonie. Rejoint par le chant si fascinant de la chanteuse bangladaise Azmari Nirjhar, ils ouvrent l’horizon du songe et de l’apaisement. Rusan Filistek, nous avait ébloui l’été dernier par un chant des moissons envoûtant, à la limite de la transe, sentiment que l’on a retrouvé ce soir. Accompagné par le percussionniste kurde Neset Kutas, il transmet ce sentiment du sacré et du mystère lié à ce moment essentiel à toute civilisation : la moisson, temps du labeur et temps de joie. Dans des chants traditionnels syriens et séfarades l’oudiste/chanteur syrien Reball Alhodari et le chanteur marocain Imad Eddine Amrah, nous ont fait partagé l’émotion intense et ardente d’une vocalité qui transcende des chants aux thèmes universels. Il en est de même de la musicienne biolorusse Anastasia Louniova dont les accompagnements au cymbalum dans certaines pièces sont d’une extrême finesse et qui nous a charmé dans un chant intitulé Tsarkouka. Chaque pièce musical nous transporte ainsi dans des univers particuliers et enchanteurs, parfois mélancoliques, mais toujours si humains.
Et que dire de Waed Bouhassoun dont le chant et les talents d’oudiste nous subjuguent à chaque fois, tout comme le souffle incandescent du ney de Moslem Rahal et l’élégance infiniment délicate du Kanun de Hakan Güngör.
La direction de Jordi Savall crée un lien sensible, amical et bienveillant entre tous les artistes. Dans la très belle acoustique de la salle du Forum, la vièle à archet chante la beauté de l’âme humaine lorsque celle-ci s’accorde et partage la différence.
Orpheus XXI Les Chemins de l’exil et de l’espoir – Le 24 novembre 2017 – Palais de la Porte Dorée Musée National de l’histoire et de L’immigration – Orpheus XXI : Rusan Filiztek (Kurdistan), Saz & chant ; Nezet Kutas (Kurdistan/Turquie), Percussions ; Azmari Nirjhar (Bangladesh), Chant ; Rebal Alkhodari (Syrie), Oud et chant ; Anastasia Louniova (Biolorussie), Cymbalum & chant ; Imad Eddine Amrah (Maroc), chant. Hesperion XXI : Waed Bouhassoun (Syrie), Oud & chant ; Moslem Rahal (Syrie), Ney & chant ; Hakan Güngör (Turquie), Kanun.
Jordi Savall, Vièle à archet, Lyra & Direction.
L'éternité du feu Yves Bonnefoy
Phénix parlant au feu, qui est destin
Et paysage clair jetant ses ombres.
Je suis celui que tu attends, dit-il....
Je viens me perdre en ton grave pays.
Il regarde le feu.
Comment il vient.
Comment il s'établit dans l'âme obscure
Et quand l'aube parait à des vitres, comment
Le feu se tait, et va dormir plus bas que feu
Il le nourrit de silence.
Il espère
Que chaque pli d'un silence éternel.
En se posant sur lui comme le sable.
Aggravera son immortalité.
Tu sauras qu'un oiseau a parlé, plus haut
Que tout arbre réel, plus simplement
Que toute voix d'ici dans nos ramures,
Et tu t'efforceras de quitter le port
De ces arbres, tes cris anciens, de pierre ou cendre.
Tu marcheras,
Tes pas seront longtemps la nuit, la terre nue,
Et lui s'éloignera chantant de rive en rive.
La liberté - René Char
Elle est venue par cette ligne blanche pouvant tout aussi bien signifier l’issue de l’aube que le bougeoir du crépuscule.
Elle passa les grèves machinales;
Elle passa les cimes éventrées.
Prenaient fin la renonciation à visage de lâche , la sainteté du mensonge, l’alcool du bourreau.
Son verbe ne fut pas un aveugle bélier mais la toile où s’inscrivit mon souffle.
D’un pas à ne se mal guider que derrière l’absence, elle est venue. cygne sur la blessure par cette ligne blanche.
Henricus Isaac, une rencontre poétique et humaniste
J’ai longtemps écouté ce nouveau CD sorti en mai 2017, de Jordi Savall. Eblouie par sa beauté et l’harmonie qui en émane, il m’a fallu du temps pour que les mots qui vous en parleraient le mieux me viennent. Et puis, comme une évidence, les tableaux de Botticelli, se sont imposés à mon esprit. Certains y verront certainement une incongruité. Henricus Isaac leur évoquant plus certainement une musique destinée aux Habsbourg pour lesquels il composa nombre de ses œuvres, mais avant cela, c’est chez Laurent de Médicis, à Florence qu’il débuta sa carrière. Et tout ici, dans les pièces retenues par le maestro Catalan, qui suit le fil de la vie du compositeur franco-flamand, nous évoque les couleurs et les lumières de la Cité qui vu naître en son sein la Renaissance et abrita les plus grands artistes, dont ce peintre si unique dont Henricus Isaac a certainement croisé et admiré les tableaux si délicats.
Jordi Savall nous revient donc au disque avec un tout nouveau programme qu’il consacre à un compositeur relativement méconnu du grand public mais qu’il a déjà rencontré tout au long de sa carrière dans des programmes thématiques comme Lucrèce Borgia, ou Carlos V (Charles Quint).
Henricus Isaac a été redécouvert par un compositeur contemporain, qui n’était alors qu’un jeune étudiant, Anton Webern. Durant les dernières décennies se sont surtout les ensembles de musique médiévale, qui nous en ont donné quelques enregistrements (Capilla Flamenca, Tallis Scholars, l’ensemble Gilles Binchois, …). L’on ne peut qu’être ravi que le maestro catalan, ai décidé de graver un programme qui sous une apparence chronologique, nous raconte et nous fait entendre plus qu’une œuvre musicale, ou une vie de compositeur des princes, un destin et son époque en quête d’harmonie. Jamais l’art n’aura en une époque rassemblé autant de talents autour des souverains qui voyaient dans l’art la plus belle des gloires. De Laurent de Médicis à Maximilien 1er qu’Henricus Isaac a servi, ou de Charles Quint à François Ier, tous ont rassemblé autour d’eux des artistes, des penseurs, des humanistes dont les noms scintillent comme autant d’étoiles au firmament. De Botticelli à Josquin des Près, de Pic de la Mirandole à Politien, de Du Bellay à Pierre de la Rue, - et que d’autres noms il faudrait citer-, musique, poésie, peinture, sculpture, parcourent l’Europe et ses cours fastueuses.
C’est donc bien la luxuriance des polyphonies et la tendresse de ces premières chansons, prémices de la rencontre des textes et de la musique, qui ici se donnent à entendre. Ce compositeur qui passe pour avoir eu un caractère paisible et aimable, connu la gloire de son vivant et au-moins un de ces lied, qui est à la convergence des styles et des époques, Innsbruck, ich muss dich lassen, a traversé les siècles, devenant alors qu’inspiré d’un répertoire populaire, un motet protestant et qui fut adapté par J.S. Bach.
Et c’est sur cette pièce que l’on entend dans sa version originale puis dans cette adaptation en motet, avec à chaque fois, le texte correspondant qui devient la clé, de ce charme fascinant qui agit à l’écoute de ce CD. Dans la version originale l’introduction et l’accompagnement au luth, reprise aux violes et voix de dessus, nous donne à vivre un instant de pure poésie, d’une déroutante et fascinante délicatesse. Il nous semble voir virevolter les voiles des muses du Printemps ou la chevelure de Vénus, et miroiter les couleurs si tendres et délicates de cet artiste si merveilleux. Dans la version plus tardive, en motet d’Innsbruck, ich muss dich lassen, qui désormais s’intitule O Welt, ich muss dich lassen, c’est un chant glorieux et flambloyant, qui s’élève, dans lequel les musiciens d’Hesperion XXI et les chanteurs de la Capella Reial de Catalunya resplendissent de couleurs et de nuances.
Jordi Savall, entouré d’un bel effectif tant instrumental que choral, nous livre ici une vision sonore tout à la fois poétique et magnifique de cette Renaissance partagée entre guerres permanentes et quête de la beauté de l’esprit et du corps. Le résultat est tout à la fois fastueux et généreux, grave et sensible. Les couleurs qui émanent des motets et chansons retenus par Jordi Savall donnent à l’ensemble de cet enregistrement un équilibre subtil et captivant.
La prise de son est équilibrée, d’une belle clarté, chaleureuse et limpide.
Le livret somptueusement illustré et documenté, fait partie des plaisirs que nous réserve à chaque fois, toute nouvelle édition d’Alia Vox. De Laurent le Magnifique à son petit-fils, Laurent, duc d’Urbino, dont le magnifique portrait peint par Raphaël illustre cet album, la musique d’Isaac a accompagné une époque et ses princes, en quête d’universalité. Jordi Savall, lui rend ici les couleurs d’une vie au service de la beauté plus que des rois. Redevenant à jamais intemporelle, elle est avant tout une musique des Cœur.
La Capella Reial de Catalunya
Solistes :
Soprano : Maria Ingeborg Dalheim
Mezzo-Soprano : Kristin Mulders
Contre-ténors : Pascal Bertin et David Sagastume
Ténors : Victor Sordo et David Hernández
Baryton : Marco Scavazza
Basse : Christian Imler
Ensemble :
Carmit Natan, soprano ; Maria Chiara Gallo, Mezzo-soprano ; Carlos Monteiro et Andrés Miravete, ténors ; Simón Millán, baryton ; Pieter Stas, basse.
Hespèrion XXI, Direction et viole de gambe soprano : Jordi Savall
1 CD Alia Vox. Durée 76’03. Livret : Français/Anglais/Castillan/Catalan/Allemand/Italien. Enregistrement réalisé à la Collégiale de Cardona (Catalogne) du 23 décembre au 19 janvier 2017
Dialogues celtiques : Les esprits de la Forêt de Brocéliande à Paris
L’homme et la nature. Dialogues celtiques
Oeuvres traditionnelles irlandaises, de Galice, écossaise et basque
Jordi Savall, dessus de viole, lyra-viol et direction
Carlos Núñez , flûtes et pastoral pipes
Pancho Álvarez, viola caipira & vielle à roue
Xurxo Núñez, percussions, théorbe et guitare
Andrew Lawrence-King, harpe et psaltérion
Frank Mc Guire, Bodhrán
Salle Gaveau, le 19 septembre 2017
Depuis que certains d’entre nous avaient eu la chance de voir et entendre ce programme au Festival Musique & Histoire de Fontfroide en 2016, nous espérions avoir la chance de le retrouver, tant il nous avait émerveillé et restait à jamais inoubliable.
Dans la cour Louis XIV de l’abbaye, par une douce nuit d’été sous les étoiles et un onirique levé de lune, nous avions été transporté loin, très loin, de toute réalité. Nous ramenant au coeur des traditions celtes, honorant la nature par sa poésie, sa musique et ses légendes, ce programme ouvre les horizons d’un monde traversé par une culture qui a essaimé à travers toute l’Europe son univers, rendant fécond le dialogue entre les peuples, abolissant les frontières physiques ou psychologiques.
C’est donc grâce à la programmation baroque de Philippe Maillard production -que cette communion entre l’homme et la nature, si caractéristique des traditions celtes-, que ses retrouvailles ont été possibles. Nous avons été nombreux à répondre à l’invitation de Jordi Savall, Carlos Núñez et des quatre musiciens qui les entouraient ce soir.
Le concert aurait pu souffrir d’un cadre citadin, mais il n’en a rien été. La salle Gaveau bénéficie d’une acoustique exceptionnelle et le public parisien, c’est quasi instantanément laissé envoûter par des musiciens dont le talent et la générosité ne peuvent que séduire les plus endurcis.
L’architecture du programme est constituée de différentes parties, au titre aussi divers que les mondes celtiques qu’il nous invite à découvrir. Chacune de ces parties est composée de pièces tant traditionnelles que modernes et permet à chaque musicien de nous faire entendre toute la diversité et la richesse de leurs instruments. Passant de pièces mélancoliques au plus dansantes, de l’Irlande à la Galice, de l’Ecosse à la Bretagne, dans la salle où règne une semi – obscurité, la lumière qui émane de la scène et des musiciens, nous ensorcelle. La mélodie si faussement simple de Ponthus et Sidoine que chante la flûte de Carlos Núñez, et la viole de Jordi Savall, possède un tel pouvoir d’envoûtement que l’on a le sentiment de voir s’ouvrir devant nous les frondaisons de la Forêt de Brocéliande. Les musiciens se transforment en enchanteurs, en bardes, nous faisant passant passer, virevolter de musique lente et nostalgique, comme le lamento Caledonia’s Wait for Niel Grow en danse joyeuse et folle comme Sackow’s Jig. Comment ne pas être touché par ces rythmes endiablés ou lent, presque des complaintes qui s’enchaînent, toujours entêtants parce que répétitifs et si mélancoliques ?
Les regard admiratifs de Carlos Núñez, véritable virtuose de la flûte et de la gaïta galicia (cornemuse galicienne) pour Jordi Savall, porte les nôtres vers le maestro catalan qui nous éblouit par la passion, l’ardeur, l’engagement de son interprétation des pièces pour viole. Mais ces regards sont réciproques et le chant si sensuel de la flûte nous captive. La ductilité de l’interprète, son jeu fluide, fougueux et fervent, nous fait abandonner toute défense, jusqu’à nous emporter dans la danse.
Et que dire des quatre musiciens qui se sont joint à eux. Andrew Lawrence-King à la harpe et au psaltérion fait preuve tout à la fois de hardiesse et de délicatesse tant dans ses accompagnements que dans les pièces solistes qui lui échoient dans les Carolan’s Harp, accompagné au bodhrán par Frank Mc Guire. Tout au long du concert, ces derniers nous ont donné à entendre le chant de la forêt et de la Dame du Lac. Entre un souffle lointain et l’onde qui s’écoule, ils ont été les messagers d’une nature, ne demandant qu’à faire tomber les murs pour mieux renaître.
Les deux compagnons de Carlos Núñez, son jeune frère Xurxo Núñez aux percussions et Pancho Álvarez à la viola caipira et à la vielle à roue, ont enrichi des couleurs de leurs instruments et de leur passion, ces mélodies des temps ancestraux et légendaires.
Comme à Fontfroide en 2016, trois bis féériques sont venus conclure cette soirée en terre de jeunesse éternelle. Car c’est bien en Avalon ou Tir Na Nog, que les musiciens nous ont emmené, terre de fraternité, de bonheur et d’amour. Le premier bis une musette de Marin Marais, hommage à la cornemuse, instrument celte par excellence, a été interprété par un Jordi Savall fougueux et précis. Elle a introduit cette danse, An dro, durant laquelle Carlos Núñez a fait se lever le public parisien à l’orchestre. Celui-ci n’a pas pu résister aux sortilèges de sa flûte, puis de sa cornemuse. Tout se passant comme si le souffle des esprits de la nature appelés par les musiciens, prenait possession de chacun de nous, en nous entraînant pour achever la soirée en une chaîne, folle « farandole » (référence si peu celtique mais dont j’espère que les puristes me la pardonneront). Comment ne pas être éternellement reconnaissant aux musiciens pour ces instants de bonheur infini.
Since in vain Des perles précieuses et délicates
Si depuis deux ans, je ne consacre que rarement ma plume à des CD, en partie par manque de temps, je vais ici évoquer un enregistrement, qui dès sa première écoute, m’aura transporté dans un univers onirique, où plus que la mélancolie, le plaisir et la délicate sensualité, auront su me séduire, me donnant envie de vous le recommander. Vous aurez je n’en doute pas, comme moi, du mal à le quitter.
Le programme proposé dans ce CD est d’autant plus passionnant que la période musicale qu’il nous propose de découvrir a rarement fait l’objet d’un enregistrement. La jeune claveciniste Caroline Huyhn van Xuan, nous offre un regard sensible et poétique sur des pièces pour clavecin toutes composées à l’issue de la longue période d’austérité du Commonwealth (république). Période durant laquelle la musique avait disparu de la vie publique anglaise, trouvant refuge dans la sphère privée.
Pour mieux rattraper le temps perdu, la musique se développe alors bien au-delà de la Chapelle Royale que restitue Charles II. Des théâtres aux tavernes, de salles de concert à des clubs, elle offre à un large public des répertoires variés et accueil des musiciens venant de toute l’Europe attirés par le dynamisme de cette ère nouvelle pour l’Angleterre.
Durant la période républicaine, elle a développé des formes plus simples, plus modestes, loin de l’écriture polyphonique de la période élisabéthaine. C’est durant la Restauration que sont publiés des œuvres pour clavecin. Leur popularité se maintiendra tout au long des XVIIe et XVIIIe siècles. De nombreux recueils seront édités, répondant ainsi au goût d’un public cultivé et ayant reçu une excellente éducation musicale, souhaitant dans son intimité, s’offrir des moments de rêverie ou de convivialité. Certaines pièces ici proposées, dont celle qui donne son nom à cet album, Since in vain, furent plusieurs fois rééditées.
Caroline Huyhn van Xuan mêle ici des pièces réputées à de véritables petits joyaux que nous n’avions jamais eu l’occasion d’entendre. Et si certains des compositeurs sont largement connus du public contemporain tels Purcell ou Haendel, d’autres comme Jeremiah Clarke, John Weldon ou William Croft, se révèlent une belle découverte. Il y est d’ailleurs frappant de constater que certaines pièces marquantes de cet album, telles Since in Vain et Allmand, nous sont parvenus sans le nom de leur auteur.
L’interprétation de Caroline Huyhn van Xuan est d’une rare délicatesse. Dès la première pièce un Ground d’Anthony Young on est séduit. Chaque pièce entre ses doigts devient une perle baroque unique. L’articulation soignée semble donner à la musique la fluidité de l’eau. Le temps qui s’écoule en écoutant ce CD prend une densité lumineuse et chaleureuse. On est surpris par les couleurs qui émanent de l’instrument, un clavecin Zuckerman d’après Blanchet et Taskin, sous les doigts déliés de l’interprète. L’effet de Luth du Ground de William Richarson, crée un effet de surprise fascinant. Entre envoûtement et sortilèges, la jeune claveciniste maintient notre plaisir par un jeu tout en nuances et en expressivité. Aérien et clair, il donne vie à ses salons où le temps semble hésiter entre s’arrêter pour mieux se savourer et fuir toujours plus vite. L’éphémère y devient éternel. La conclusion Ground on Moon over Bourbon Street, arrangement d’une chanson de Sting, joue sur ce sentiment d’éternité.
L’aria Here the Deities approve d’Henry Purcell, chanté par le contre-ténor Paulïn Bungden est un enchantement vocal, un pur délice, nous rappelant combien cet artiste au timbre unique, mélancolique et sensuel est fait pour ce répertoire.
A l’instant de conclure cette chronique, les mots qui nous viennent à l’esprit, sont « charme » et « plaisir ». Alors ne bouder ni l’un ni l’autre, Caroline Huynh Van Xuan est une claveciniste au jeu tout aussi unique et rare que le timbre du contre-ténor Paulin Büngden qui a accepté de redonner vie à ses côtés à une musique dont la beauté transmet une émotion fugace et légère, sensible et raffinée, subtile et tendre. Notons l’excellente prise de son, qui crée un sentiment de proximité avec l’interprète, nous rappelant combien cette musique est celle de l’intimité.
Clavecin : Caroline Huynh Van Xuan
Contre-ténor : Paulin Büngden
1 CD Muso. Durée 67’53. Livret : Français/Anglais. Enregistrement réalisé dans la Chapelle de Sainte-Marie à Lyon les 11 et 12 juillet
